Shock-rock: performance y personaje en la música

Conoceremos los casos de cuatro artistas y bandas de rock que han usado el componente escénico hasta el punto de la controversia en pro de su trabajo musical.

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El shock-rock es un término usado para describir el trabajo de artistas de rock que complementan su música con elementos teatrales y de puesta en escena para causar una reacción (muy comúnmente de horror) en su público. Hoy en día, muchos de los artistas y bandas considerados parte del shock-rock pueden ser reconocidos casi que únicamente por su puesta en escena que por su trabajo musical. En el artículo de hoy, recordaremos a algunos artistas significativos de este estilo para ver las formas en las que su puesta en escena aporta a lo que dichos artistas pretenden explicar con su música.

A pesar de que se considera que este estilo nació entre las décadas de los 50 y 60 con artistas como Screamin’ Jay Hawkins y Arthur Brown, que usaban elementos como fuego, explosiones, calaveras, y maquillaje como parte de su espectáculo, hubo un artista que surgió años después y se le conoce como “el padrino del shock-rock”, este artista es Alice Cooper. Empezó a crear un personaje, pensando en cómo muchos artistas asumían roles de alguna forma heroicos, y cómo entre todos aquellos héroes, nunca había un villano. De esa forma empezó a explorar su personaje, y poco a poco, su música y espectáculo fueron evolucionando para darle mayor credibilidad.

En los inicios de la banda, la música de Alice Cooper tenía grandes rasgos de rock psicodélico, que con los años fue adquiriendo cada vez más rudeza y distorsión. Lo mismo sucedió con las letras, en las que cada vez aparecían más temas relacionados con la rebeldía e incluso lo macabro. Todo esto iba acompañado de un espectáculo en vivo que incluía elementos como sillas eléctricas, guillotinas, serpientes, y sangre. A raíz del gran impacto que provocaban sus conciertos, empezaron a surgir mitos sobre cultos, creencias, además de protestas por parte de padres de familia (cosa que seguiría sucediéndole a muchos otros artistas). Esto también fue un factor que ayudó a que Alice Cooper lograra crear esa identidad de villano, uniendo una puesta en escena a sus composiciones musicales, y así marcó el camino para muchos artistas que habrían de venir.

Es prácticamente imposible hablar de shock-rock sin hablar de Kiss. Sin duda influenciados por el trabajo de Alice Cooper, los cuatro miembros de Kiss empezaron a pensar cómo podían elevar este trabajo a otro nivel. De esa forma nacieron los cuatro icónicos personajes: The Demon, The Starchild, The Spaceman o Space-Ace, y The Catman. Al principio, la banda no estaba teniendo mucho éxito en cuando a lo musical, y sus ventas eran bajas, así que se apoyaron muchísimo más en su show en vivo para alcanzar el éxito, por el que ya empezaban a recibir reconocimiento.

Kiss es una de las bandas con los shows en vivo más extravagantes de la historia del rock. Incluye enormes cantidades de pirotecnia, y segmentos en los que la batería se eleva, las guitarras emiten humo, los miembros de la banda se elevan y vuelan sobre el público con la ayuda de plataformas y arneses, y claro está, la icónica presencia del bajista Gene Simmons, escupiendo fuego y sangre, y su famosa lengua, que hoy podría considerarse elemento de la cultura pop. Todo esto, y el hecho de que por muchos años, los cuatro miembros de Kiss no revelaron sus verdaderas caras bajo el maquillaje, causó un crecimiento enorme de la banda en la década de los 70. Tanto así, que empezó a aparecer mercancía de todo tipo con la imagen de la banda: figuras de acción, cómics, incluso loncheras. Esto a su vez, hizo que la música de Kiss se hiciera más comercial y más amable para el público. Entonces, de ser una banda que atraía a adolescentes rebeldes, y que causaban controversia (tampoco ellos estuvieron exentos de mitos tales como implicaciones satánicas, o que el maquillaje que usaban no era tal, sino la verdadera piel de los músicos), se convirtieron en prácticamente entretenimiento familiar.  

Pasó mucho tiempo hasta que volviera a surgir otra figura en el rock capaz de generar tanta reacción y polémica, hasta la aparición de Marilyn Manson en los 90. Su espectáculo en vivo llegaba incluso a los límites de lo grotesco y agresivo, la sola presencia e imagen del líder de la banda ya era suficiente para generar controversia. Su tercer álbum, “Antichrist Superstar”, fue un punto importantísimo para la carrera de Marilyn Manson, pues fue el punto en el que la controversia que causaba llegó a su punto más alto.

Las canciones de “Antichrist Superstar” están cargadas de un gran contenido filosófico, en gran medida influenciadas por el concepto de “superhombre” de Friedrich Nietszche y también por una enorme crítica social, y tienen el propósito de hacer pensar al público. La imagen de Marilyn Manson fue, entonces, un gran medio para hacer que esta música llegara al público, de hecho, se le reconoce como uno de los artistas que mejor ha utilizado el videoclip para estos propósitos. Por otro lado, encarnar en un personaje todo lo que la sociedad odia, prohibe, o genera doble moral (anti-cristianismo, androginia, violencia, consumo de drogas, iconografía fascista, entre muchos otros), causó para Marilyn Manson la prohibición de sus conciertos en varios estados de los Estados Unidos y protestas por parte de grupos religiosos y políticos.      

Mientras tanto, a kilómetros de distancia, los alemanes Rammstein empezaban a generar impacto fuera de su país natal. Actualmente, su show en vivo se considera uno de los mejores del mundo, en el que se destaca el uso de cantidades inimaginables de pirotecnia usada de varias y creativas maneras. Su estilo musical también es bastante particular, debido en gran parte a la interpretación de Till Lindemann, vocalista. Rammstein es una banda que se enfoca mucho en la música y en la parte de la creación, y pese a que el contenido de sus letras puede tratar diferentes temas, muchas veces prefieren hablar de temas tabú, sin pudor e inclusive con trazos poéticos.

No solo son las letras de Rammstein lo que ha generado muchas controversias y atraído seguidores, también los miembros de esta banda han usado el videoclip para contar las oscuras historias que cuentan sus letras, a veces muy explícitamente, otras de maneras más abstractas o poéticas, y otras, incluso, con bastante humor. Lo interesante es que los seis miembros de la banda participan activamente en estos videos, actuando y asumiendo los retos correspondientes a cada uno de ellos (travestismo, perforaciones corporales, desnudez, danza Butoh, pornografía, entre muchos otros). El hecho de encontrar y materializar tantas formas diferentes de realizar un performance para dar mayor fuerza a su música, refleja un gran compromiso de la banda con su propio trabajo.

¿Qué, entonces, podemos aprender y rescatar de estos grandes exponentes del shock-rock? Sea cual sea el objetivo de nuestra música, ya sea pasarla bien, lograr éxito comercial, o transmitir un mensaje sobre la sociedad, un buen performance nunca sobra. Y, en el caso específico de los cuatro artistas y bandas mencionados, asumir identidades tan polémicas e impactantes podría incluso ser un factor liberador para el intérprete para poder tratar ciertos temas de forma más directa o gráfica. Podríamos, tal vez, como lo hicieron ellos, pensar en la puesta en escena como el medio para transmitir nuestra creación artística, cualquiera que sea, y exponer de formas más creativas nuestras propias ideas o mensajes.  

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